Portrait Contemporain #2 :  Loïc et Thomas sont membres de Lucky Lindy, prometteur groupe parisien de folk/rock. Après une jolie session acoustique, voici l’interview de la moitié du groupe.
« Lunettes, foulards, trench-coat, harmonica poussiéreux, guitares acoustiques tonitruantes, violon incontrôlable, tintements de clochettes rêveuses : le cocktail, après un temps d’adaptation, a sérieusement bon goût » comme disait l’ami purepains.

Portraits Contemporains est le projet vidéo du blog moustache. Au fil des rencontres, nous donnons la parole à qui bon nous semble. Délaissant les grands axes, les Portraits Contemporains capturent l’air du temps par petites touches : l’ambiance d’un lieu, l’histoire et le point de vue de nos invités.

Interview : Cmignon et Emmanuel // Images & son : Emmanuel // Montage : Cmignon et Emmanuel.
Merci à tous les membres du groupe.

Une semaine. Un choix. Aujourd’hui : Le Dernier Nabab de F. Scott Fitzgerald.

Fait intéressant sur ma personne et pas du tout cliché : mon livre préféré est Gatsby, le Magnifique. Oui, oui Gatsby. Oui je sais, c’est aussi le bouquin préféré de 10 000 autres personnes. Je suis une fille très originale, que voulez-vous. Bref… Au vu de mon amour pour Gatsby, j’ai rapidement décidé de lire tous les romans de  Fitzgerald. Et après réflexion, je dois me rendre à la conclusion suivante : Le Dernier Nabab est son meilleur ouvrage. Et c’est là que je deviens originale.

Situé dans les années 1930, Le Dernier Nabab raconte l’histoire d’un producteur de cinéma, Monroe Sfar, qui a la quarantaine passée. Désabusé, il ne vit que pour son travail. Mais son existence bascule lorsqu’il rencontre le “sosie” de sa femme morte et qu’il entame avec elle une relation amoureuse compliquée.

L’histoire est narrée, la plupart du temps (mais pas toujours), par Cecelia, une jeune femme amoureuse de Sfar. Certaines scènes sont aussi vues par le biais de plusieurs personnages. Le récit est donc tordu, mais tout à fait compréhensible. Et comme d’habitude chez Fitzgerald, tout est question d’atmosphère. Beaucoup de lecteurs ont l’impression que dans ce genre d’univers, il ne se passe pas grand chose. Pourtant, malgré une impression de lenteur, lorsqu’on referme le livre on se rend compte que mille et une péripéties se sont déroulées. Elles ont juste eu lieu calmement. Fitzgerald n’est pas un auteur grandiloquent, et la discrétion est son arme la plus forte.

Mais ce qui différencie Le Dernier Nabab des autres ouvrages de l’auteur, c’est son réalisme. Si Fitzgerald utilise souvent des lieux connus comme Harvard ou le Connecticut et parle d’événements historiques comme la Première Guerre Mondiale, ses personnages évoluent toujours un peu hors du temps, dans un univers fantasmé. Ici, le milieu du cinéma est décrit de façon très minutieuse et l’étude des rouages de l’industrie est précise et acerbe. Le Dernier Nabab est le portrait d’une époque changeante, celle de l’entre deux-guerres qui a tant bouleversé les États-Unis et son industrie la plus célèbre. Dans les années 30, la crise fait rage et le modèle économique américain doit être réinventé. Le pays en pleine dépression est un superbe décor pour un auteur qui s’intéresse principalement au mal-être et à la mélancolie. Il ne montre pas un Hollywood idyllique, comme c’était la norme à l’époque, mais une industrie sauvage, qui se jette dans les bras du capitalisme.

On pourrait reprocher à Fitzgerald de s’occuper encore une fois “des riches”. Mais ce choix donne à son œuvre une vraie cohésion. L’auteur s’intéresse constamment à des personnages malheureux dans un univers que l’on imagine magnifique et luxueux. Attraction et répulsion se mélangent, alors. On est attiré par les décors mais beaucoup moins par ce que vivent les personnages. Et dans Le Dernier Nabab cela n’a jamais été aussi vrai. La Californie y est lumineuse et le monde du cinéma fascinant mais les histoires d’amour contrariées et les complots des puissants nous empêchent de rêver.

Livre inachevé, on ne peut s’empêcher de penser au chef d’œuvre qu’il aurait pu être, si Fitzgerald avait vécu assez longtemps pour le finir. Il est bien dommage que le livre n’ait pas de conclusion tant l’auteur excelle dans ce domaine. Heureusement, les notes retrouvées par son éditeur sont  présentes à la fin du roman, et nous laissent imaginer le destin tragique du héros.

A noter qu’une adaptation cinématographique réalisée par Elia Kazan existe, mais elle n’est pas vraiment au niveau de l’œuvre.

Une semaine. Un choix. Aujourd’hui, place aux super-héros avec Thor et X-Men, le commencement. (Techniquement, ça fait deux choix, mais peu importe !).

Les films de super-héros sont partout. Rien qu’en 2011, on a le droit à Thor, X-Men, Captain America et Green Lantern. Le problème avec les films de super-héros, c’est que souvent, c’est mauvais. Rappelez-vous : Dardevil, Les Quatre fantastiques, Spiderman 3, Iron man 2… Pas terrible tout ça!  Heureusement, ces dernières années, il y aussi eu Spiderman 2, The Dark Knight et X2, alors en tant qu’amatrice du genre, je suis restée optimiste et je suis ravie de pouvoir dire que le cru 2011 est plutôt bon… Pour l’instant.

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Autant le dire toute suite, je suis allée voir Thor à reculons. Un dieu viking armé d’un marteau magique? Ridicule. En plus, les muscles saillants, ce n’est pas mon genre. Rien que regarder les biceps de Chris Hemsworth (Thor) me donne la nausée. Et puis finalement, en bon public que je suis, j’y suis allée. Résultat ? Pas mal. Alors évidemment, c’est kitsch. Évidemment, c’est lourd. Mais ça fait du bien. Depuis le reboot de Batman par Christopher Nolan, Hollywood cherche à tout prix des super-héros sombres et modernes. Mais soyons réaliste, n’est pas Christopher Nolan qui veut. La force de Thor est de n’avoir aucune prétention. C’est un film popcorn, avec de l’action, des blagues et des jolies filles. Au delà de ça, le film  possède de vraies qualités. Une mise en scène plus que correcte, des acteurs qui  ne se prennent pas au sérieux et surtout un vrai méchant : Loki, le frère de Thor un brin jaloux et manipulateur, qui rêve de monter sur le trône à la place de son vieux père. Interprété par Tom Hiddleston (présent cette année dans Minuit à Paris et dans le prochain Steven Spielberg, Cheval de Guerre), il éclabousse le film.  C’est un méchant aux actions imprévisibles et dévastatrices, mais toujours cohérentes, le meilleur type de méchant, en somme.

Finalement, Thor n’est pas un grand film, ce n’est même pas un très bon film de super-héros, mais c’est assez bien ficelé pour donner envie de revoir tout ce petit monde dans The Avengers, le film qui réunira, en avril prochain, le plus grand nombre de super-héros au mètre carré.

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Contrairement à notre ami viking, X-Men : le commencement m’a intéressé dès le début, malgré quelques appréhensions. Le marketing était assez moyen et les deux derniers films de la franchise étaient franchement mauvais, mais X-Men a toujours eu ce petit truc en plus : un propos. Caché derrière les pouvoirs débiles de ses héros, ce dernier est plus sérieux que dans la plupart des comics. Fascinante métaphore de la lutte pour les droits civiques, X-Men possède une vraie problématique : que doit-on faire pour être accepté, dans une société qui a peur de nous?  Autres avantages de taille pour la saga, les X-Men comptent dans leur rang deux personnages fascinants. Xavier, futur Professeur X et Erik, futur Magneto. L’un est intelligent et idéaliste, l’autre est complexe et cynique. Aucun des deux n’est une caricature. Le gentil n’est pas niais, le méchant n’est pas un psychopathe et les différentes voies qu’ils empruntent sont toutes compréhensibles. Dans X-Men : le commencement, l’amitié entre Erik et Xavier est racontée, de ses origines jusqu’à sa triste fin. Avoir choisi James McAvoy et Michael Fassbender (nouvel idéal féminin de la moitié de la planète, dont moi-même) pour interpréter ces deux personnages mythiques est la vraie réussite du film, tant leur alchimie est évidente. Le reste du casting  est assez bon, Kevin Bacon, Nicholas Hoult et Jennifer Lawrence, en tête. En revanche, je n’évoquerai pas January Jones, mauvaise comme les pieds, respect pour Mad Men oblige.  Le film possède aussi un petit côté désuet assez marrant et tout à fait assumé.

Résultat : X-Men : le commencement est un des meilleurs films de super-héros qu’il m’a été donné de voir, un savant mélange entre le fun de Spiderman et la noirceur de The Dark Knight.

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En bonus, la bande annonce super ridicule de Green Lantern. Ça sent bon le navet, comme on dit.

Classé dans:Cinéma ]]> http://moustach.wordpress.com/2011/06/09/le-choix-de-sophie-2-thor-et-x-men-le-commencement/feed/ 0 sophie 30720_4d617c197b9aa154bf005051_1298252240 http://moustach.wordpress.com/2011/06/02/session-acoustique-1-lucky-lindy/ http://moustach.wordpress.com/2011/06/02/session-acoustique-1-lucky-lindy/#comments Thu, 02 Jun 2011 11:40:19 +0000 Emmanuel http://moustach.wordpress.com/?p=8979 Lire la suite →]]> PARTIE 1 – GET BETTER
Pour notre première session acoustique, voici Lucky Lindy, quatuor parisien de folk/rock. Une session acoustique en deux parties.

PARTIE 2 – THE GREATEST AVIATOR
« Lunettes, foulards, trench-coat, harmonica poussiéreux, guitares acoustiques tonitruantes, violon incontrôlable, tintements de clochettes rêveuses : le cocktail, après un temps d’adaptation, a sérieusement bon goût » comme disait purepains dans un de ses articles.

Merci à Benoit, Léo, Loïc et Thomas. Pour information, ils seront en concert au Scopitone avec Alas Aviator et Bruxelles, le 15 juin à Paris.

Images & son : Emmanuel et Lazare // Montage : Cmignon et Emmanuel

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myspace.com/luckylindyband
noomiz.com/luckylindyband

Newtork fait parti de ces films dont tout le monde parle mais que personne ne semble avoir vraiment vu, au même titre que le Parrain, Apocalyspe Now, Citizen Kane ou Casablanca. Il y a quelques temps encore, je faisais partie des gens qui mentaient. Network, je l’avais vu 100 fois (ou pas) et j’avais parlé maintes fois du superbe script de Paddy Chayefsky, de la performance de Faye Denaway, de l’Oscar posthume de Peter Finch et j’en passe. En réalité, j’ai regardé Network pour la première fois il y a seulement quelques mois.  C’est après avoir lu différentes interviews d’Aaron Sorkin citant Newtork comme inspiration pour son génialisme Social Network que je me suis dit : “Il est temps de s’y mettre”. Après deux heures de film, un constat s’impose : “J’ai vraiment bien fait !”

Réalisé par Sidney Lumet, qui nous a malheureusement quitté le 9 avril dernier, Network explore les coulisses de la télévision américaine et de la course à l’audimat, en suivant trois personnages : une cadre arriviste et talentueuse, un journaliste au bord de la retraite et un présentateur vedette sur le déclin, en pleine crise existentielle. Ce qui interpelle le plus lorsqu’on regarde le film pour la première fois, c’est le bruit. Il n’y a pas une minute de silence. Les dialogue sont abondants. Fins et grandiloquents à la fois. Un des meilleures scripts de l’histoire du cinéma. Là où le film aurait pu être une simple critique, il s’attarde aussi sur les personnages, leurs caractères et leurs émotions au cœur de la tempête. Les performances sont toutes à la limite du surjeu mais tellement puissantes qu’elles en sont inoubliables. Jamais des Oscars n’ont semblé si mérités. Faye Denauway, icône des 70’s, une des plus belles actrices que le cinéma ai jamais compté, est stupéfiante en femme possédée par la télévision, qui voit sa vie comme un script et qui ne sait plus faire la part des choses entre la réalité et la fiction. Terrifiante, elle en devient presque laide. Peter Finch en présentateur devenu messie, éclabousse de sa folie le film. William Holden interprète le seul homme raisonné. Il existe au milieu du chaos grâce à une sagesse et une élégance sans pareil. Les acteurs secondaires sont tous incroyables. Chaque rôle est pensé et interprété à la perfection.

Network ne laisse pas une minute de répit, jusqu’à cette fin si cynique. C’est peut-être trop, mais qu’importe. Le film est tellement intelligent, drôle et puissant que les quelques faux-pas passent inaperçus. Le message du film reste, lui, très actuels. Si, dans les années 1970, l’Amérique en pleine recension, tout juste sortie du Watergate et du Vietnam, a peur de sortir de chez elle et devient esclave de la télévision, le monde d’aujourd’hui connait la même chose avec internet. Comme la télé en son temps, internet bouleverse les comportements. Il semble donc évident que Network soit plus qu’une inspiration pour Aaron Sorkin. Network est tout simplement le pendant de The Social Network. A la fois une critique acerbe et une histoire simple d’hommes et de femmes pris au piège.

Je vous laisse avec le passage le plus connu du film. Lors de son supposé dernier JT, Peter Finch se lance dans une tirade qui déchaîne les foules, et proclame une des répliques les plus connues de l’histoire du cinéma américain.

Portraits Contemporains est le projet vidéo du blog moustache. Au fil des rencontres, nous donnons la parole à qui bon nous semble. Délaissant les grands axes, les Portraits Contemporains capturent l’air du temps par petites touches : l’ambiance d’un lieu, l’histoire et le point de vue de nos invités.

Interview : Cmignon et Lazare // Images & son : Emmanuel et Lazare // Montage : Cmignon et Emmanuel.
Merci beaucoup à Jack et Katie.

Moustache a passé l’hiver, ouf. Le printemps l’appelle à nouveau à prendre les armes, à publier, à étonner parfois. Ce sont ainsi de longues heures de tournage, de dérushage et de montage qui ont animé l’équipe de Moustache ces derniers mois. Le projet prend forme, d’ici quelque temps vous pourrez découvrir des productions vidéos Moustache : interviews, ambiances de lieux, sessions acoustiques volées ou négociées. Ce sera aussi le retour de chroniques, de billets, de moments simples, pas nécessairement fous, mais toujours captivants. Moustache est là, des images plein la tête, des envies plein les baskets, et déjà quelques photos d’une équipe en action (dans la suite de l’article, en vrac, sans rien vous dire de plus).

Impossible de respirer. Nous sommes cernés. Entre les Strokes, le mariage princier et la compilation de reprises de Bashung, aucune issue.

Voici une modeste playlist spotify, pour penser à autre chose (cliquez sur l’image suivante) :

Cette playlist contient de vrais morceaux de : Big Mama Thornton, Baxter Dury, Dinosaur Jr. The Meters, Jamie T, Grinderman, Bernard Lavilliers, Elliott Smith, Sophia, Spain, Tom Waits, The Black Keys, Villagers, Astonautalis, Madrugada, Akron/Family, The Brian Jonestown Massacre, The Streets, Saycet, Troy Von Balthazar, Wire, FM Belfast, The Fall, Sharon Van Etten, Sylvain Chauveau, PJ Harvey, Can, Karaocake, Sparklehorse.

En Bonus, Little Surprise des Wave Pictures :

Moustache est encore là. Un peu diminué, dilettante et débordé. Mais plus pour longtemps. Si certains projets ont capoté (le projet de magazine internet), d’autres avancent, dans l’ombre.

Pour patienter, voici Balance & Roule, une playlist de 22 chansons, pour la plupart récentes. En espérant vous faire un peu oublier les Radiohead et autres Strokes. Malheureusement, plusieurs chansons ne sont pas sur Grooveshark donc la playlist n’est disponible que sur Spotify.

Purling Hiss, The Memory Band, Suuns, Hubert Felix Thiéfaine, Wire, Mélissa Auf Der Maur, Ensemble, Guards, Timber Timbre, Discodeine, Alister, Toro Y Moi, Jenny And Johnny, Cloud Nothing, Lykke Li, Sophia, Chokebore, Encre, Radio Dept., Max Richter, La Rumeur, PJ Harvey.

En bonus : Civilian, le dernier titre de Wye Oak, qui n’est pas sur Spotify :

Voilà le grand film de Darren Aronofsky, sa pièce maîtresse. Tout est là : Nathalie Portman, Vincent Cassel, le Lac des Cygnes, un Tchaïkovski  et un Begichev ! Génial, l’adaptation moderne d’un opéra classique qui a fait le tour du monde. On oserait croire que l’art sera au rendez-vous, que la finesse d’une œuvre tant interprétée n’en sera que “parfaite”, remise à neuf par Aronofsky à la direction et Portman à l’exécution, une œuvre qui serait comme dépoussiérée par le génie cinématographique américain ?! Pourtant il n’en est rien, ça n’a été que migraine (la mienne) et heurts (le film). Retour sur un bad movie qui marche très bien.

La promesse d’un lac de cygnes et ce sont des canards.

On nous a promis du grand cinéma, un Lac des Cygnes remis au goût du jour, la transposition d’une vieille légende, d’un conte, en un film grand public qui resterait cependant dans la veine de l’Opéra, du beau, pointu et quelque peu inaccessible. On voudrait alors résister à l’appel médiatique, se souvenir que ce n’est pas parce qu’on aligne Nathalie Portman, Vincent Cassel et Darren Aronofsky qu’un film vaut le détour. Pourtant, tant de promesses, tant d’envie de voir le dernier bijou américain, par un réalisateur peu commun qui a souvent surpris et plu, Requiem for a dream, The Fountain.

Malheureusement Black Swan c’est un lac de canards déguisés en cygnes, ou un lac de cygnes où ne flottent que des canards…Certains éléments ne trompent pas, quand on adapte un ballet avec une lecture moderne, et qu’on oublie la danse. Quand on fait un film sur la difficulté du beau et de la perfection, et qu’on oublie le beau et la perfection justement. En effet, dans Black Swan on est déçu par le manque d’art lyrique et esthétique. Pas un temps de pause pour se délecter, pas un temps de pause pour réfléchir, ne serait-ce qu’un ballet en moins bien ? Un Opéra moderne donc médiocre ?

La finesse des plumes d’une oie sur le corps d’un cygne.

Ce constat premier serait trop violent, il manquerait de mesure et d’analyse. En effet, au-delà de la violence constante du film, parti pris esthétique plutôt qu’une esthétique classique de la danse, du lyrique et du texte, il y aurait ainsi aussi une psychologie à prendre en compte. Une analyse supérieure faite en plus du Lac des Cygnes originel. Ainsi la mère, qui a ratée sa vie pour avoir sa fille, l’infantilise et l’empêche d’atteindre la vraie perfection en la maintenant dans un état de soumission. Le metteur en scène, français, attise le désir de ses danseuses vedettes pour provoquer en elle la sensualité, la fougue et la beauté des corps. C’est aussi la danseuse déchue (Winona Ryder, l’actrice sur le retour) qui tente de se suicider et se mutile, puisqu’elle n’est plus au sommet, elle, produit périmé d’une société de consommation où les objets désuets sont jetés sans plus de tri. Enfin c’est une jeune danseuse qui pour vivre son rêve, travaille si dur qu’elle connaît troubles psychologiques, et physiques, dédoublement de soi et hallucinations. Voici maladroitement peint le tableau psychologique de Black Swan.

Tableau psychologique donc, mais pourquoi vouloir dès lors qu’il y a de psychologie qu’il y ait de la finesse ? Pendant qu’on regarde le film on ne se surprend pas d’une certaine grossièreté, trop accroché par l’aspect anxiogène du scénario et l’horreur de certaines scènes. Pourtant, et avec un tout petit peu de recul, une fois sorti de la salle bondée du cinéma français, on peut trouver l’approche psychologique de Black Swan assez ridicule, très formelle. Je m’amuse des clichés de tempéraments dessinés par Portman, Cassel et Ryder. On s’étonne du manque de finesse d’une relation mère fille compliquée qui n’apporte ici aucun nouvel élément au débat. C’est bien le drame d’un film qui avait de l’ambition et qui au final ne se retrouve qu’à présenter un grand cliché sur le monde de la danse, et encore s’il est question de danse. Black Swan est donc à même de n’offrir que très peu de finesse sur les relations humaines. On nous dira que c’est un conte, que les traits sont simples mais forts, cathartiques et convaincants. D’accord, pourquoi pas l’excuse du conte pour sauver Black Swan. Mais alors de se demander pourquoi, pourquoi toute cette violence, pourquoi si peu de danse ?

Violence contre œuvre d’art.

Dommage en effet qu’une esthétique 100% américaine ne gâche le plaisir d’une œuvre allemande, œuvre d’art, de musique et de danse. Toujours ces confusions entre choquer l’esprit et susciter l’émotion. Cette inversion des genres, l’évènementiel d’une mise en scène, contre la finesse des émotions et des interrogations communiquées et partagées, plus propre à une œuvre d’art à part entière. C’est ce qu’il y a dans Black Swan, la perte du sens derrière la volonté d’indiquer violemment un point de vue pas si intéressant qu’il pourrait en avoir l’air au premier abord.

Dommage alors, toujours les mêmes films américains “qu’il faut voir”, “qui se regardent”, quand je n’y vois que du vide cinématographique et l’oubli des bases essentielles du 7ème art, bases pourtant simples : un ton juste, un plan séquence posé et recherché, du plaisir à communiquer, de la finesse à dévoiler et un peu d’art finalement. Peut-être que Black Swan prend la mauvaise critique à la place de tant d’autres, pourtant désolé de l’admettre, difficile de trouver ces temps-ci un film américain digne d’un film. Espérons avoir très prochainement tort grâce à la plus grande industrie de rêves cinématographiques du monde.